Modos grego

Quais são os modos grego?

Os modos gregos são 7 modelos diferentes para a escala natural .

Talvez você já tenha ouvido nomes como “Mixolydio”, “Dório”, ou algo semelhante. Parece coisas de outro mundo, não é? Tão bem, mostraremos que este e outros nomes são coisas simples na realidade e são fáceis de entender e praticar. Aparecem no contexto dos modos gregos. Nós lhe daremos detalhes para deixar claro quais são esses modos:

Modo jônico

Pegue a maior escala natural. Correspondente ao primeiro modo grego, denominado modo jónico .Vamos mostrar-lhe mais tarde, de onde veio essa nomenclatura, não se preocupe com isso agora.

Muito bem, você já conhece um modo grego! Parabéns!

Para facilitarmos o trabalho, trabalharemos com a escala principal de C como exemplo. Já sabemos qual é o modo jônico:

C, D, E, F, G, A, B

Sequência vista: tom -tom-

-semitono-tom-tom-tom-semitom.

Forma:

Modo ioniano

Dica: é a própria escala principal.
Observação: para todos os modos, colocamos a sequência vista, uma dica e a forma da escala .

Modo Dório

O próximo modo é chamado Dório . Não é mais do que a mesma grande escala com a qual estamos trabalhando, mas começando em D.

Aqui você tem o modo Dorio:

D, E, F, G, A, B, C

Sequência vista: tom-semitom-tom-tom-semitono-tom

Forma:

Modo dorian

Dica: é a escala menor com o sexto grau maior.

Bem, talvez você não tenha considerado a utilidade disso. Geralmente, as pessoas começam a se confundir e a pensar que esse estudo é aborrecido. Então, vamos explicar isso bem para que você não desista sem um motivo!

Nós apenas tocamos o modo D Dorio, certo? Isso significa automaticamente que sua tonalidade é C maior. Por quê? Só porque construímos a escala doriana usando as notas principais de C. O formato tom-semitom, etc. Deduzido a uma escala doriana era diferente da grande escala natural porque começamos com outra nota de que não é o primeiro grau .

Começamos pelo segundo grau. É por isso que a diferença na forma existe. Com isso em mente, podemos encontrar uma aplicação prática.

No estudo do campo de harmonia principal, mostramos os acordes que fazem parte da tonalidadede C maior. Imagine, por exemplo, que uma música começa em Dm e depois continua com os acordes: Am, F e Em. Podemos concluir que a tonalidade desta música é C maior, mesmo que o acorde C não tenha aparecido uma vez na música (até aqui, não é um novo conceito!). Então, se queremos improvisar um solo nesta música, usaremos escala C maior. Mas como podemos fazer isso se a música começar em D menor? Nosso solo poderia começar com D em vez de C para dar um ambiente mais característico, não poderia? É aqui que este D Dorian entra! Podemos dizer que estamos fazendo um solo em D, porque estamos “enfatizando” D (começando e terminando), mas usando a escala principal C. Moral da história: estamos usando D escala doriana para nosso solo, porque a corda é D menor, mas a tonalidade é C.

Modo Frígio

Ok, vamos fazer algum progresso. Agora vamos usar a escala principal C com início. A sequência será assim:

E, F, G, A, B, C, D

Sequência vista: semitom-tom-tom-semitono-tom-tom

Forma:

Modo phrygian

Dica: é uma escala menor com segundo grau menor.

Isso é chamado de modo frígio. A utilização prática é exatamente a mesma do exemplo anterior, mas pensando em E menor em vez de D menor. Se quisermos fazer um solo em E menor em uma música que esteja em tonalidade C maior, usaríamos a escala E Frígio.

Modo Lidio

O próximo modo grego é o Lídio . Começa com o primeiro grau da escala principal. Apenas para recapitular, estamos usando como exemplo a escala C e, em seguida, o quarto grau é F (antes do quarto grau era E, e assim por diante). Os modos gregos podem ser construídos por qualquer escala maior. Estamos mostrando aqui apenas a escala C. Mais tarde, mostraremos com outra grande escala para ajudá-lo e para torná-lo mais claro. Vejamos então como foi a nossa escala F Lídio :

F, G, A, B, C, D, E

Sequência vista: tom-tom-semitom-tom-tom-tom

Forma:

Modo lydian

Dica: é a maior escala com quarto aumentado

Modo Mixolídio

O quinto modo grego é o Mixolidio . Na escala principal C, o quinto grau é G. Confira abaixo da escala  G mixolídio :

G, A, B, C, D, E, F

Sequência vista: tom-tom-semitom-tom-tom-semitono

Forma:

Modo mixolydian

Dica: é a maior escala com o 7º menor

Nós já explicamos a utilização dos modos gregos no ponto de vista da improvisação, mas agora seria interessante fazer uma observação. Se quisermos fazer um solo em uma música que esteja em tonalidade C principal, começando com a nota G, usamos a escala G Mixolydian (nada novo aqui). Talvez você ainda não esteja convencido sobre a utilidade disso na prática. Porque você está pensando: “Se eu quiser usar a escala principal C começando com G, posso tirar o desenho de C major, na região que eu faria escala principal C e então eu faço esse desenho começando com G”:

Modos

Tudo bem, não há problema nisso. Mas digamos que uma música está mudando sua tonalidade.Imagine que foi em G major e agora foi para C major. Você estava fazendo um solo em G major usando a escala abaixo, na região do fretboard do instrumento:

Modos grego

Que a música está em C major, você saltou para esta região:

Exemplo mixolydiano

Se você soubesse o desenho de G Mixolydian, você poderia continuar na mesma região que estava antes, por mais que mudasse o desenho que antes era esse:

Exemplo de modo

Para este:

G mixolydian

Isso deixaria o solo infinitamente mais bonito e fluido, porque a mudança de tonalidade no solo seria leve e agradável. Se, neste exemplo, você alterar a região no fretboard para pensar na escala principal de C, você faria com que a mudança se tornasse mais abrupta e “difícil de engolir”.

Ouça músicos como Pat Mateny, Mike Stern, Frank Gambale e preste atenção como eles funcionam de modulação (mudança de tonalidades). Essa fluidez vem do domínio completo das formas dos modos gregos.

Além disso, sabendo bem, os desenhos desses modos irão ajudá-lo a não ser um prisioneiro apenas em forma de escala. Isso faria seu solo se tornar “quadrado” e “vicioso”. E na negociação, este domínio proporciona um controle total do freteboard do instrumento.

Modo eólico

Ok, o próximo modo é o modo Eoliano e corresponde ao sexto grau. No nosso exemplo, o sexto grau de C é A, então verifique abaixo como foi a nossa escala:

ABCDEFG

Frequência observada: tom-semitom-tom-tom-semitono-tom

Forma:

Modo eólico

Dica: é a escala menor natural!

Encontramos então um novo nome para a escala menor natural: modo eólico . A principal escala natural já recebeu um nome, você se lembra? Modo jônico . Provavelmente, você notou que o sexto grau menor é o menor relativo de modo que fazer um solo usando o modo Eólico não é mais do que fazer isso usando o menor relativo.

Modo Lócrio

O modo sétimo e último é o modo Locrian . Verifique o desenho abaixo:

B, C, D, E, F, G, A

Sequência vista: semitom-tom-tom-semitono-tom-tom

Forma:

Modo locen

Dica: é a escala menor com a menor 2ª e a 5ª diminuída .

Treinar os modos gregos, o pensamento em graus realmente ajuda a nossa mente e ouvido a identificar rapidamente a tonalidade de uma música, porque nos acostumamos com esses padrões.

Resumo dos 7 modos gregos

Legal, já fizemos tudo com a escala principal C, mostraremos agora (rapidamente) como as seqüências usando a escala principal G (em vez de maior), para que você veja as formas desses modos, começando pela 6ª corda :

Ioniano-dorian-phrygian

Lydian-mixolydian-eolian

F # locrian

Observe que a seqüência (tom-semitona, etc.) foi exatamente a mesma coisa que no estudo da escala maior de C. Mas o desenho (formas) era diferente porque estamos começando pela 6ª corda em vez de 5.

Esses desenhos mostrados a partir de 5 e 6 cordas mantêm a mesma estrutura para outras tonalidades. Isso é realmente favorável, porque aprender as formas para essas tonalidades, você conhece todas elas; É apenas para transpor os mesmos desenhos para outros tons.

Ao longo do nosso estudo musical, você ouvirá muitas vezes sobre esses modos. Ao ver sua aplicação em diferentes contextos, você ampliará sua visão e ficará mais convencido sobre sua utilidade. O importante agora é praticar e passar o tempo com essas formas, compreendendo de onde elas vieram.

Antes de terminar este primeiro estudo sobre os modos gregos, vamos satisfazer sua curiosidade dizendo de onde vieram esses nomes estranhos.

Os modos gregos apareceram na Grécia antiga. Algumas pessoas da região têm maneiras peculiares para organizar os sons da mesma escala temperada. Eles vieram das regiões Ionia , Doria , Phrygia , Lydia e Aeolia . Para isso deu os nomes que você acabou de ver. O modo Mixolydian veio da mistura entre os modos Lydian e Dorian . O modo Locrian veio apenas para completar um ciclo, porque é um modo pouco utilizado na prática.

Os modos jônico e eólico se tornaram os mais usados, sendo mais difundidos na Idade Média.Ultimamente, eles recebem os nomes “escala principal” e “escala menor”, respectivamente. É divertido que todos os alunos da música aprendam primeiro os nomes “escala principal” e “escala menor” mesmo antes de ouvir sobre os modos iônico e eólico . Na verdade, esses modos gregos vieram antes e são “pais” dessas escalas.

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O Que É Cifra?

Cifra e o seu significado

A Cifra é uma notação musical que representa os nomes dos acordes.

Conhecendo um pouso da nomenclatura básica:

C = dó

D = ré

E = mi

F = fá

G = sol

A = lá

B = si

Os acordes também são identificados com essa notação.

Os acordes em uma cifra recebe o nome da nota fundamental, que é o primeiro grau da tríade.

O acorde de Dó é formado pela tríade C, E, G, logo, o acorde de Dó Maior é representado pela letra C.

Significado da cifra nas músicas

O termo “cifrar” significa escrever os acordes na ordem correta em que eles aparecem na música.

Geralmente isso é feito em cima da letra da música, mostrando o ponto certo em que o acorde deve ser tocado.

 

Escreva num papel todas as notas utilizando sua representação e mentalize a qual nota cada letra se refere.

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Um pouco da história do violão

Antes do desenvolvimento da guitarra elétrica e do uso de materiais sintéticos, um violão foi definido como sendo um instrumento com “um pescoço longo, fretted, flatboard de madeira plana, costelas e uma parte traseira lisa, mais frequentemente com lados incorridos”. O termo é usado para se referir a uma série de cordéis que foram desenvolvidos e usados ​​em toda a Europa, começando no século 12 e, mais tarde, nas Américas.

Uma escultura de pedra de 3,300 anos de idade de um bardo hitita que toca um instrumento de cordas é a mais antiga representação iconográfica de placas de cordão e argila da Babilônia que mostram pessoas tocando um instrumento que tem uma forte semelhança com a guitarra, indicando um possível Babylonian Origem do violão.

A palavra guitarra moderna , e seus antecedentes, tem sido aplicada a uma grande variedade de cordódonos desde os tempos clássicos e, como tal, causa confusão. guitarra inglesa , a Gitarre alemã e as guitarras francesas foram todas adotadas pela guitarra espanhola , que vem do árabe andaluz e a latina cithara , que por sua vez veio do grego.

Muitas influências são citadas como antecedentes da guitarra moderna. Embora o desenvolvimento das primeiras “guitarras” se perca na história da Espanha medieval, dois instrumentos são comumente citados como seus predecessores mais influentes, o alaúde europeu e seu primo, o oud de quatro cordas; O último foi trazido para a Ibéria pelos mouros no século VIII.

Pelo menos dois instrumentos chamados de “guitarras” estavam em uso na Espanha até 1200: a guitarra latina ( guitarra latina ) e a chamada guitarra morisca (guitarra mourisca). A guitarra morisca tinha uma volta arredondada, um grande teclado e vários buracos sonoros. A guitarra Latina tinha um único buraco de som e um pescoço mais estreito. Até o século 14, as qualificações “moresca” ou “morisca” e “latina” foram descartadas, e esses dois cordophones foram simplesmente chamados de guitarras.

A vihuela espanhola, convocada em italiano, a ” viola da mano “, um instrumento parecido com uma guitarra dos séculos 15 e 16, é amplamente considerada como sendo a única influência mais importante no desenvolvimento da guitarra barroca. Tinha seis cursos (geralmente), sintonizadores de alaúde em quartos e um corpo semelhante a um violão, embora as primeiras representações revelem um instrumento com uma cintura cortada. Também era maior do que as guitarras contemporâneas de quatro curtos. No século XVI, a construção da vihuela tinha mais em comum com a guitarra moderna, com suas costelas curvas de uma peça, do que com as violas, e mais como uma versão maior das guitarras contemporâneas de quatro curtos. A vihuela desfrutou apenas um período relativamente curto de popularidade na Espanha e na Itália durante uma era dominada em outros lugares da Europa pelo alaúde; A última música publicada sobrevivente para o instrumento apareceu em 1576. 

Enquanto isso, a guitarra barroca de cinco cursos, documentada na Espanha a partir do meio do século XVI, gozava de popularidade, especialmente na Espanha, Itália e França, desde o final do século XVI até meados do século XVIII. Em Portugal, a palavra viola referia-se à guitarra, como a guitarra significava a ” guitarra portuguesa “, uma variedade de cittern .

As guitarras podem ser divididas em duas grandes categorias, guitarras acústicas e elétricas. Dentro de cada uma dessas categorias, existem também outras subcategorias. Por exemplo, uma guitarra elétrica pode ser comprada em um modelo de seis cordas (o modelo mais comum) ou em modelos de sete ou 12 cordas.

Acústico

As guitarras acústicas formam várias subcategorias notáveis ​​no grupo de guitarra acústica: guitarras clássicas e flamengas ;Guitarras de corda de aço, que incluem a guitarra plana, ou “folk”, guitarra; Guitarras de doze cordas ; E a guitarra de arco superior. O grupo de violão acústico também inclui guitarras não amplificadas projetadas para tocar em diferentes registros, como o baixo baixo acústico, que tem um ajuste semelhante ao do baixo elétrico

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Ritmos Musicais

Na música, o ritmo é resultado de uma sequência cronometrada que segue uma batida constante. Em outros termos musicais comuns também é referido como ritmo(italiano), rythme (francês) e Rhythmus (alemão).

Freqüentemente, o termo “ritmo” é usado de forma sinônima ou intercambiável com o tempo “, mas seus significados não são exatamente os mesmos. Enquanto o tempo se refere ao” tempo “ou à” velocidade “de uma música, o ritmo define os batimentos cardíacos.

Você pode ter um batimento cardíaco rápido ou lento, mas o pulsar é constante – esse é o ritmo.

A notação de música moderna fornece várias ferramentas para um músico entender o ritmo de uma música. Ou seja, a assinatura do medidor e do tempo indica como as batidas são alocadas em todas as medidas, permitindo ao jogador tocar a música com o ritmo apropriado. Em um nível mais granular, o ritmo também pode pertencer às relações de notas entre si; Se a proporção das notas quando comparadas entre si estiver incorreta dentro de uma certa batida, o ritmo pode estar “desligado”.

CRIANDO RITMO PRECISO

O ritmo na música, dança e linguagem ou poesia é essencialmente o momento dos eventos em escala humana. O ritmo eo tempo podem incluir som e silêncio, mas os sons e silêncios, passos de dança e pausas, vírgulas e períodos ocorrem em uma linha de tempo em movimento. A linha de tempo não é tipicamente rígida se ele está sendo conduzido por seres humanos, embora muitos profissionais e amadores preferem praticar com um metrônomo.

Os metrônomos oferecem precisão da máquina ao tempo de uma seqüência, portanto, se alguém estiver usando um metrônomo para medir seu ritmo, ele será geralmente mais preciso. Ao usar um metrônomo, o tempo é configurado para uma configuração precisa que geralmente indica os batimentos por medida. Praticar regularmente com o metrônomo pode ajudar o músico a desenvolver um ritmo interno consistente para uma performance, seja a música rápida, média ou lenta.

INFLUÊNCIAS CULTURAIS

Os ritmos variam quando impactados por influências culturais, razão pela qual muitas formas de música cultural têm batimentos e padrões identificáveis. Por exemplo, as diferenças na música ocidental quando comparadas à música indiana ou africana são notavelmente distintas. Padrões complexos que representam traduções culturais, como “conversas de bateria” na música africana, continuam a permear a essência da música e às vezes podem ser transferidas para outras formas de música para adicionar um novo elemento ao ritmo da música.

Por exemplo, durante o século 20, muitos compositores começaram a experimentar os desvios dos ritmos e formas tradicionais da música clássica. Um desses compositores era Béla Bartók, um compositor húngaro conhecido por seu estudo de música folclórica. A história diz que durante o verão de 1904, o compositor ouviu uma nanny cantando músicas folclóricas para crianças que ela estava assistindo. Ele foi inspirado por elementos das músicas, e inflamou sua dedicação para aprender sobre música folclórica. À medida que Bartók compunha, ele tiraria de elementos da música folclórica, como ritmos livres e não tradicionais, e os incluirá em suas composições.

Campo Harmônico

Entendendo o que é um campo harmônico

  O campo harmônico é um conjunto de acordes que podem trazer harmonia para qualquer melodia básica, sabendo a tonalidade. Veja Como encontrar a tonalidade de uma melodia?

O campo harmônico é o conjunto de “acordes diatônicos” construídos em cada nota da escala naquela tonalidade.
Para o caso da escala principal DO , os acordes são:

I II III IV V VI e VII = Dó Re Mi Fa Sol La e Si
Os acordes diatônicos são aqueles que estão usando notas da escala diatônica. No exemplo de DO major , todos os acordes são criados usando as teclas brancas do piano:
Tríades: DO re mi FA SOL la siº (maiúscula = maior, minúscula = menor e º = diminuída)
Com sétimo: DO7M re7 mi7 FA7M SOL7 la7 siº (7M = com 7º e 7º principais com 7º menor)

Como já mencionado, existem 3 diferentes escalas menores. Evitando detalhes complicados, digamos que este é o campo menor harmônico mais usual:

I IIº BIII IV V7 bVI bVIIº VIIdim = la siDO DO re MI7 FA SOL SOL # 7dim para menor tonalidade.

Se ainda parecer muitos acordes, veja como isso é simplificado ainda mais, considerando as funções Harmônicas , que são apenas 3!

Neste outro artigo você poderá conhecer mais sobre os campos harmônicos.
Aprenda violão e teoria musical clicando aqui.

Nota Musical

Na música , o termo nota tem três significados principais:

  1. Um sinal usado na notação musical para representar a duração relativa e o tom de um som (♪, ♫);
  2. Um som lançado em si.
  3. Uma aula de pitch .

As notas são os blocos de construção de muita música escrita: discretizações de fenômenos musicais que facilitam o desempenho, a compreensão e a análise.

O termo nota pode ser usado em sentidos genéricos e específicos: pode-se dizer que “a peça” Feliz aniversário para você “começa com duas notas com o mesmo tom”, ou “a peça começa com duas repetições da mesma nota”. No primeiro caso, usa nota para se referir a um evento musical específico; No último, um usa o termo para se referir a uma classe de eventos compartilhando o mesmo tom.

A nota A ou La

Nomes de algumas notas sem acidentes

Duas notas com frequências fundamentais em uma proporção igual a qualquer poder inteiro de dois (por exemplo, metade, duas vezes ou quatro vezes) são percebidas como muito semelhantes. Por isso, todas as notas com esses tipos de relações podem ser agrupadas na mesma classe de pitch .

Na teoria da música tradicional, a maioria dos países do mundo usa a convenção de nomeação Do-Re-Mi-Fa-Sol-La-Si , incluindo, por exemplo, Itália , Espanha , França , Romênia , a maioria dos países latino-americanos , Grécia , Bulgária , Turquia , Rússia e todos os países que falam árabes ou que falam persas . No entanto, no mundo de língua inglesa e holandesa , as aulas são tipicamente representadas pelas primeiras sete letras do alfabeto latino (A, B, C, D, E, F e G). Alguns países europeus, incluindo a Alemanha , adotaram uma notação quase idêntica, na qual H substitui B (veja abaixo detalhes). Na música indiana como Telugu Sa-Ri-Ga-Ma-Pa-Da-Ni-Sa. (స రి గ మ ప ద ని స), Tamil (ச-ரி-க-ம-ப-த-நி) Byzantium usado Os nomes pa-vu-ga-di-ke-zo-ni-pa.

A oitava nota, ou oitava , recebe o mesmo nome que a primeira, mas tem o dobro de sua frequência. O nome de oitava também é usado para indicar o intervalo entre uma nota e outra com dupla freqüência. Para diferenciar duas anotações que têm a mesma classe de pitch, mas caem em oitavas diferentes, o sistema de notação de campo científico combina um nome de letra com um número árabe designando uma oitava específica. Por exemplo, o tom de afinação agora padrão para a maioria das músicas ocidentais, 440 Hz, é chamado de ‘ou A4.

Existem dois sistemas formais para definir cada nota e oitava, a notação de pitch de Helmholtz e a notação científica .

Acidentais

Os nomes das letras são modificados pelos acidentes . Um ♯ áspero levanta uma nota por um semitom ou meio passo, e um plano diminui pela mesma quantidade. No ajuste moderno, um meio passo tem uma taxa de freqüência de 12 √ 2 , aproximadamente 1.059. Os acidentes são escritos após o nome da nota: então, por exemplo, F representa F-sharp, B é B-flat, e C é C natural (ou C).

 

Frequência vs Posição no Clef de agudos . Cada nota mostrada tem uma frequência da nota anterior multiplicada por 12 √ 2

Acidentes adicionais são de dois pontos Duplo afiado , Elevando a freqüência em dois semitons, e duplo Apartamento duplo , Abaixando-o por esse valor.

Na notação musical, os acidentes são colocados antes dos símbolos das notas. Alterações sistemáticas para os sete tons de letras na escala podem ser indicadas colocando os símbolos na assinatura da chave , que depois se aplicam implicitamente a todas as ocorrências de notas correspondentes. Os acidentes invocados explicitamente podem ser usados ​​para substituir esse efeito pelo restante de uma barra. Um acidente especial, o símbolo natural , é usado para indicar um passo não modificado. Os efeitos da assinatura de chaves e acidentes locais não se acumulam. Se a assinatura da tecla indicar G , um local antes de um G faz G (não G ), embora muitas vezes esse tipo de acidente raro é expresso como um natural, seguido de um plano ( ) para tornar isso claro. Do mesmo modo (e mais comumente), um toque duplo Duplo afiado Assinar uma assinatura de chave com um único toque ♯ indica apenas um toque duplo, não um triplo.

Assumindo a melhorarmonicidade , muitos acidentes criarão equivalências entre os campos que são escritos de forma diferente. Por exemplo, elevar a nota B para B é igual à nota C. Assumindo todas essas equivalências, a escala cromática completa acrescenta cinco classes de pitch adicionais às notas originais de sete letras para um total de 12 (a 13ª nota que completa a oitava ) , Cada um separado por um meio passo.

As notas que pertencem à escala diatônica relevante no contexto às vezes são chamadas de notas diatônicas; As notas que não atendem a esse critério são às vezes chamados de notas cromáticas .

Outro estilo de notação, raramente usado em inglês, usa o sufixo “é” para indicar um afiado e “es” (apenas “s” após A e E) para um apartamento, por exemplo, Fis para F , Ges para G , Es for E . Este sistema surgiu pela primeira vez na Alemanha e é usado em quase todos os países europeus cuja língua principal não é o inglês, o grego ou uma língua romântica.

Na maioria dos países que utilizam esses sufixos, a letra H é usada para representar o que é B natural em inglês, a letra B é usada em vez de B e Heses (ou seja, H Apartamento duplo ) É usado em vez de B Apartamento duplo (Embora Bes e Heses denotem o inglês B Apartamento duplo ). Os holandeses na Bélgica e nos Países Baixos usam os mesmos sufixos, mas aplicados nas notas A a G, de modo que B, B e B Apartamento duplo Têm o mesmo significado que em inglês, embora sejam chamados de B, Bes e Beses em vez de B, B flat e B double flat. A Dinamarca também usa H, mas usa Bes em vez de Heses para B Apartamento duplo

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A Melodia

 A melodia na música ocidental até o final do século 19 foi considerada a superfície de um grupo de harmonias. O tom superior de um acorde tornou-se um tom de melodia; Os acordes foram escolhidos por sua cor e sensação de direção em relação um ao outro e foram espaçados de modo que uma sucessão desejada de tons se colocasse no topo. Qualquer melodia, então, tinha acordes subjacentes que poderiam ser deduzidos. Assim, um bom guitarrista, analisando mentalmente, pode aplicar acordes a uma melodia.

Melodia VS Harmonia

Mas a melodia é muito maior do que a . A única linha de melodia foi altamente desenvolvida – por exemplo, no loteiro medival europeu e bizantino , nas melodias dos trouveres e trovadores, e no ragas e maqāmāt ( Tipos de melodia ) de música indiana e árabe. Combinando várias linhas de melodia ao mesmo tempo é a polifonia; Variando uma melodia de maneiras diferentes no desempenho simultâneo é a heterofonia; Combinando melodia e acordes é homofonia.

Características Da Melodia

Uma linha melódica possui várias características que, em conjunto, descrevem:

1. Tem contorno , uma linha geral que sobe, cai, arcos, ondula ou se move de qualquer outra maneira característica. Por exemplo, a primeira linha de “My Bonnie Lies Over the Ocean” sobe com um salto, depois desce mais ou menos passo a passo. O movimento melódico pode ser disjuntivo, usando saltos ou em conjunção, movendo-se por etapas; O movimento ajuda a formar o contorno da melodia.

Forma musical: princípios da forma musical

2. Melody também tem alcance: ocupa um certo espaço dentro do espectro de gravações que o ouvido humano pode perceber. Algumas melodias primitivas têm uma série de duas notas; O soprano solo no “Kyrie Eleison” da Missa de Mozart em C Minor (K. 427) tem uma gama de duas oitavas.

3. Tem uma Escala . Em culturas musicalmente sofisticadas, as escalas são formalmente reconhecidas como sistemas de tons a partir dos quais a melodia pode ser construída.

As escalas podem ser abstraídas de suas melodias listando os tons usados ​​em ordem de afinação. Os intervalos da escala de uma melodia contribuem para o seu caráter geral. Quando as crianças cantam a cantiga encontrada em toda a Europa, “Está chovendo, está derramando” (g-g-e-a-g-e), eles cantam uma melodia que usa uma escala de três tons; São utilizados dois intervalos, um largo (terceiro menor) e um estreito (segundo maior). A escala menor harmônica da Europa Ocidental contém um intervalo não encontrado na escala principal – um segundo aumentado, como A ♭ -B – o que contribui para a qualidade distintiva de muitas melodias menores. As melodias africanas e européias, às vezes, consistem em cadeias de intervalos, por exemplo, de terços ou quatro.

Os compositores e os improvisadores se originam de vários recursos melódicos:

1. A O tema é uma melodia que não é necessariamente completa em si, exceto quando projetada para um conjunto de variações, mas é reconhecível como uma frase ou cláusula grávida. Assunto de fuga é um tema; As exposições e episódios de uma sonata são grupos de temas.

2. Figuras ou Motivos, pequenos fragmentos de um tema, são agrupados em novas melodias no “desenvolvimento” de uma sonata. Em uma fuga, eles continuam a música quando o sujeito e o contra-objeto são silenciosos.

3. Em uma sequência, uma figura ou grupo de acordes é repetido em diferentes níveis de afinação.

4. Ornamentos ou graças (pequenos dispositivos melódicos, como notas de graça, appoggiaturas, trinos, lâminas, tremolo e ligeiros desvios do passo padrão), podem ser usados ​​para embelezar uma melodia. A ornamentação melódica está presente na maioria das músicas européias e é essencial para o índio, o árabe, o japonês e muitas outras músicas não-ocidentais.

Alguns sistemas musicais possuem complexas estruturas de fórmulas denominadas modos ou tipos de melodia com os quais as melodias são construídas.

Saiba Mais…

Harmonia Musical

Entendendo O Que É Harmonia Musical

 

A palavra “harmonia” no grego significa acordoA harmonia musical trata-se de como os intervalos se relacionam (ou concordam) um com o outro, ou seja, Quando tocamos mais de uma nota ao mesmo tempo chamamos de harmonização.

Os Intervalos

A diferença no tom entre duas notas é chamada de intervalo, uma palavra que usamos para descrever a separação de notas na escala principal.

Os intervalos relacionam-se de várias maneiras como:

  • Melodicamente
  • Harmonicamente

Os grupos de intervalos podem ser tocados ao mesmo tempo formando os acordes.

 Ou, grupos de sons (acordes) podem ser tocados sucessivamente formando progressões de acordes. E, os intervalos individuais podem ser tocados sucessivamente formando melodias.

A harmonia é a teoria por trás de todas essas relações musicais.

A harmonia de forma alguma é aleatória

 As formas em que os intervalos se relacionam não são aleatórias.

Existem padrões consistentes usados ​​repetidamente na música, independentemente do estilo.

Quanto mais agradável é um padrão, mais vezes ele se usa.

Da mesma forma, padrões menos agradáveis ​​tendem a ser evitados.

Quanto mais você aprender sobre harmonia, os acordes menos aleatórios e as melodias aparecerão. À medida que você começa a ver, ouvir e memorizar os padrões comuns encontrados na harmonia, você terá um tempo mais fácil aprendendo músicas e linhas de baixo, compondo e improvisando.

Você pode até ficar chocado com quantas músicas usam a mesma harmonia. Não há tanta variedade harmônica quanto você gostaria de pensar.

 

Lógica harmônica

 À medida que você estuda harmonia, você deve finalmente descobrir que as melhores harmonias de som sempre têm algum tipo de lógica interna e forte para elas.

Com isso quero dizer, existem certos elementos-chave que, quando presentes, criam fortes harmonias e, quando estão ausentes, criam harmonias com pouca força.

Com o estudo, você entenderá como criar e controlar a harmonia.

Na verdade, você perceberá quanto controle o baixo tem sobre a harmonia em um grupo.

Se você quiser fazer algo criativo com o baixo ou a música, você precisa estudar harmonia.

 

 

Progressões de acordes

 

Uma progressão de acordes é uma sucessão de acordes. Progresso significa avançar.

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Um grande aspecto de tocar o baixo trata de definir o som da progressão de acordes à medida que avança.

O trabalho do baixista gira especialmente em torno do movimento radicular da progressão da corda.

Definir a raiz de cada acorde é uma das responsabilidades mais rudimentares do baixista.

Além de definir a raiz, os baixistas geralmente se esforçam para criar conexões interessantes entre as raízes de cada acorde na progressão.

Quanto melhor um baixista entende a harmonia, mais interessantes e eficazes serão suas linhas de baixo e solos.

Usar as inversões no baixo é muito interessante, pois enriquece a harmonia

 

Acordes e a Harmonia

A música soa um pouco vazia se as notas só forem tocadas uma por vez. É a interação entre as diferentes notas tocadas juntas que dão à música sua riqueza e cor.

A riqueza e variedade de harmonia se multiplicam com cada nota extra.

As harmonias de duas notas têm um intervalo. As harmonias de três notas têm três intervalos, entre cada nota e entre si. As harmonias de quatro notas têm seis intervalos, e assim por diante.

Com alguns intervalos, as notas se combinam juntas para criar um som agradável ou consonante.

Outros intervalos criam um som mais perturbador ou dissonante.

Ambos os intervalos consoantes e dissonantes são usados ​​na música, idealmente de forma equilibrada.

Muita consonância na música facilita a escuta, mas um pouco branda.

A dissonância acrescenta uma tensão poderosa, mas muita música pode dificultar a conexão.

 

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