Os acordes consonantes são harmoniosos e agradáveis ​​para as orelhas ocidentais, enquanto as cordas dissonantes soam chocando e provocam uma sensação de tensão.A quantidade de consonância ou dissonância em um acorde foi comprovada para afetar o humor de uma pessoa, e existem alguns estudos que mostram que mesmo as pessoas amusas reconhecem acordes dissonantes como “sad” e consoantes como sons “felizes”. Nenhum conhecimento de música explícita é necessário para reconhecer a diferença; o grau de dissonância em um pedaço de música mostrou criar efeitos bioquímicos no ouvinte associado a diferentes estados emocionais agradáveis ​​e desagradáveis.

HISTÓRIA E ESTUDOS MODERNOS

O efeito de acordes consonantes e dissonantes no ouvinte foi reconhecido na música ocidental pelo menos desde o matemático grego Pitágoras no século V aC. Pesquisa psicológica recente mostrou que mesmo crianças de 4 meses de idade preferem consoante a música dissonante. No entanto, os estudiosos estão indecisos sobre se o reconhecimento é um traço erudito ou inerente, porque os estudos sobre pessoas de culturas não-ocidentais têm resultados variados, e estudos sobre espécies não humanas, como chimpanzés e pintos também não são conclusivos.

Os acordes musicais são compostos por dois ou mais sons tocando juntos e a consonância / dissonância é o resultado da comparação das frequências sonoras das notas tocadas. Isso foi reconhecido pela primeira vez pelo cientista e filósofo alemão do século XIX, Herman von Helmholtz. As combinações consonantes e sonoras agradáveis ​​de tons musicais são aquelas com proporções de freqüência simples, como a oitava, na qual a freqüência do tom inferior é metade da freqüência do tom mais alto (1: 2); o quinto perfeito com uma proporção de 2: 3; e o quarto perfeito em 3: 4.

Intervalos muito dissonantes, como o secundário secundário (15:16) ou o quarto aumentado (32:45) têm taxas de freqüência muito mais complexas. Em particular, o quarto aumentado, chamado de tritone, é o que a Idade Média sabia como o “diabo na música”.

CORDAS DISSONANTES E CONSONANTES

Na música ocidental, os seguintes intervalos são considerados consoantes :

  • Terceiro menor – Por exemplo, de C para Eb
  • Terceiro maior – Por exemplo, de C para E
  • Quarto perfeito – Por exemplo, de C para F
  • quinto perfeito – Por exemplo, de C para G
  • sexto menor – por exemplo, de C para Ab
  • sexto principal – Por exemplo, de C para A
  • oitava – Por exemplo, de C para C

Por outro lado, esses intervalos são considerados dissonantes:

  • Segundo secundário – Por exemplo, de C-Db
  • segundo maior – Por exemplo, de C para D
  • menor sétimo – por exemplo, de C para Bb
  • sétimo maior – por exemplo, de C para B
  • Tritone – Por exemplo, de C para F #, conhecido como o tritone, o 4º aumentado ou o quinto diminuído, e possui um intervalo de 3 etapas inteiras .

Na maioria das vezes, a dissonância é resolvida movendo-se para um acorde de consoante. Isso faz com que o sentimento inicial de tensão criado por acordes dissonantes alcance uma resolução. O termo comum para isso é a tensão e a liberação . No entanto, a dissonância nem sempre precisa ser resolvida, percebendo acordes como dissonantes tende a ser subjetivo.

 

 Quer aprender mais sobre o tema?

O que é uma escala diatônica?

iatônica , em música , qualquer arranjo gradual dos sete graus “naturais” (graus de escala) formando uma oitava sem alterar o padrão estabelecido de uma chave ou modo, em particular, a maior e natural pequenas escalas . Algumas escalas, incluindo as escalas pentatônicas e de tons inteiros, não são diatônicas porque não incluem os sete graus.

Na música medieval e renascentista, oito modos de igreja ditavam a organização da harmoniamusical. A harmonia diatónica surgiu gradualmente, sob a forma de numerosas exceções às regras dos modos da igreja. No século 16, o humanista Henricus Glareanus propôs dois modosadicionais, Eólico e Ionian , baseado em A e C, respectivamente, e idêntico em todos os sentidos às modernas e menores escalas naturais; Este foi o primeiro reconhecimento da validade dos modos diatônicos.

A grande escala pode ser expressa em um padrão de dois grupos adjacentes de quatro notas (às vezes referido como tetrachords ), compreendendo cada um dois passos de tons inteiros recomeçados em meio passo, de modo que as meias etapas ocorrem entre graus III-IV e VII-VIII (I). Na escala menor natural, os meia passos ocorrem em II-III e V-VI. Dada a importância crucial do chamado tom de liderança (o sétimo grau da escala maior) na harmonia diatônica, no entanto, a escala menor natural regularmente se torna sujeita a alterações cromáticas (neste caso, a elevação em meio passo) de sua sétimo grau (a forma menor harmônica) e muitas vezes o sexto grau também (a forma menor melódica da escala, usada em uma melodia ascendente).O menor harmônico é, estritamente falando, na verdade não é uma escala; é usado normalmente não melódicamente, mas como um conjunto de fontes para construir harmonia.O tetracorde superior da escala menor melódica ascendente é idêntico ao da escala principal. É a escala menor natural que define a assinatura da chave; Os graus alterados são indicados por sinais acidentais aplicados (afiados, planos ou naturais). Para exemplos de notação musical de etapas nessas escalas maiores e menores, veja escala: tipos de escala comuns .

Os acordes em harmonia diatônica são gerados a partir das escalas maior e menor, construindotriadas em cada graus de escala diatônica. Os graus e triadas de escala são identificados pelos mesmos nomes e as tríades podem ser representadas por números romanos. Os sete nomes são (I) tônico , (II) supertônico, (III) mediant, (IV) subdominante , (V) dominante , (VI) submediante e (VII) tom principal.

A escala diatônica, como modelo, é contrastada com a Escala cromática de 12 graus, correspondente às notas brancas e pretas do teclado de piano, consideradas em conjunto. As diferentes escalas pertencentes às 12 principais e 12 teclas secundárias incluem essas diferentes notas em preto e branco, mas sempre apenas 7 de cada vez. Um sinal acidental na frente de uma nota normalmente significa que o tom é anotado como o sexto ou sétimo grau da escala menor, ou que o tom é um tom cromático (não pertence à escala diatônica particular que está sendo usada na harmonia do momento). Os tons cromáticos, por muitas razões diferentes, abundam em quase toda a música composta depois de 1600, embora a maioria das músicas do período seja transparentemente diatônica. No entanto, desde meados do século XIX, a música diatónica começou a abrir espaço para a música mais caracteristicamente cromática e mais harmonicamente complexa, nas obras de Richard Wagner , Franz Liszt e muitos outros.

Os modos da igreja podem ser considerados como variantes diatônicas mais antigas do sistema major-menor. Certamente, as escalas diatônicas ocorrem muito além dos limites da música artística ocidental, inclusive na monofonia popular européia e americana (música não acompanhada com uma única linha melódica), bem como em alguns tipos de música africana e asiática. Não obstante a complexidade das técnicas de composição que foram desenvolvidas durante o século 20 para a música que não é tonal, o sistema diatônico permaneceu firmemente estabelecido em todo o mundo no início do século XXI, em música de arte e música popular .

Saiba mais nestes artigos relacionados:

Curso formula violão

Artigo da wikipédia

O que é uma escala pentatonica?

As escalas maiores e menores podem ser obstáculos para a educação musical, mas eles soam um pouco acadêmicos quando usados ​​em progressões de acordes. Para guitarra rock, você vai querer aprender a tocar a escala pentatônica, o que lhe fornece melhor forragem melódica.

Embora a escala pentatônica não seja a única escala disponível para jogar rock lead, é o mais usado e mais fácil de aprender. A beleza desta escala é que parece ótimo sobre cada mudança de acordes em uma chave, e você pode começar a fazer música com ela quase que imediatamente.

Como o próprio nome indica, a escala pentatônica contém cinco notas, que são duas notas tímidas das escalas principais e menores de sete notas normais, o que cria um som mais aberto e menos linear. A escala pentatônica também é mais ambígua, mas isso é bom, porque significa que é mais difícil tocar notas “ruins” – observa que, embora estejam dentro da chave, pode não caber bem contra qualquer acorde dado na progressão . A escala pentatônica usa apenas as escolhas de notas mais comuns.

A escala pentatônica é para o guitarrista do rock o que a anestesia, a imprensa e a chave de fenda sem fio são para a civilização moderna – uma entidade indispensável sem a qual a vida seria muito mais difícil.

A primeira escala que você aprende é o pentatônico A menor. Um pentatônico menor pode ser usado como uma escala de chumbo sobre as progressões de acordes em menor, C major e A blues (“blues” pode implicar uma escala específica de seis notas, bem como uma progressão de acordes). Também funciona muito bem em A major e C blues. Não é ruim para uma escala que é duas notas de uma grande escala.

A figura a seguir mostra um diagrama de pescoço que descreve uma forma de escala pentatônica na 5ª posição. O pescoço está posicionado como se você estivesse de frente para um violão ereto que esteja de lado, à sua esquerda.Então parece uma tablatura no sentido de que a primeira seqüência está no topo, mas é um esquema do pescoço real em vez da equipe da guia.

Tente jogar, e apenas se concentrar em garantir que você esteja na posição certa, atingindo as notas certas.

Saiba mais

Curso de violão

Conheça um dos melhores cursos de violão da atualidade.

O Fábio de Amorin é o criador do curso Formula Violão.

O treinamento mudou a vida de milhares de iniciantes do violão pelo Brasil a fora.

Por tanto, se você quer aprender como tocar violão de uma vez por todas, eu recomendo friamente que você conheça o formula violão.

Tenho certeza de que você não vai se arrepender.

 

Clique Aqui > Formula Violão < para se inscrever no fantástico treinamento formula violão.

 

 

Acordes musicais

Como funcionam os acordes

As pessoas que tocam música são muitas vezes analíticas por natureza. Provavelmente, você examinou as gravações de música que queria aprender, descobrindo o tempo necessário ou como suavizar a transição entre a ponte e o coro. Ou talvez, em algum momento, você tenha tido o desejo de aprender sobre a mecânica do seu instrumento – o que acontece exatamente quando seus dedos tocam nas teclas, ou quando sua respiração passa pelo bocal.

(Certifique-se de verificar esses exercícios de piano para fortalecer suas mãos)

Mas algumas coisas na música são um pouco mais difíceis de explicar em palavras. Quando você ouve música que o agarra emocionalmente, não é tão fácil colocar seu dedo porque você reage a isso. Embora seja difícil descrever exatamente por que a música tem o poder que faz, a capacidade de analisar acordes ajuda a desvendar o mistério. Isso ocorre porque os acordes e as progressões dos acordes têm muito a ver com o caráter da música. A análise de acordes, também conhecida como “análise harmônica”, é onde os lados lógicos e emocionais da música se unem.

Explicação de tríades

Quando se trata de acordes, três é um número mágico. Desde o século XVI, tríades – grupos de três notas diferentes que são cada uma separadas – foram as harmonias mais comuns encontradas na música ocidental, tanto clássica como popular. Então, é importante reconhecer as tríades para entender como e por que os acordes funcionam juntos da maneira que eles fazem. Antes de reconhecer as tríades na sua música, primeiro você precisa saber como elas foram construídas.

Para formar uma tríade principal, comece com qualquer um passo, a raiz e adicione a nota um terço maior (quatro meia-passos) acima. Em seguida, adicione a nota a um terceiro menor (três meia-passos) acima disso. Por exemplo, uma tríade C major inclui as notas C, E e G.

A ordem inversa de intervalos é usada para formar uma tríade menor: acima da raiz é um terceiro intervalo menor, e uma terceira terceira maior “empilha” em cima para completar a tríade. Então, as notas em uma tríade C menor são C, Eb e G.

(Fazendo sentido de modificações métricas para que você possa jogar melhor)

Observe que, com tríades principais e menores, a nota de raiz e a nota de topo são sempre um quinto perfeito (sete meio passos). Se a tríade é maior ou menor, tudo depende do passo do meio.

Triadas diminuídas usam apenas pequenos intervalos menores, fazendo as anotações em uma tríade C diminuída C, Eb e Gb. As triadas aumentadas, por outro lado, usam somente os maiores intervalos principais. C, E e G # compõem uma tríade C aumentada.

Faça como os romanos fazem

Se você jogou a partir de folhas de liderança antes, provavelmente já viu rótulos como “C maj” ou “CM” para indicar um acorde maioritário. Mas enquanto esses tipos de símbolos lhe dizem quais as notas para jogar, eles não dizem nada sobre a função do acorde. O argumento é que os acordes têm uma natureza parecida com o camaleão: uma tríade C principal que aparece em uma música na chave dos principais atos de C de maneira diferente, e tem um propósito diferente, de uma tríade C principal que aparece em uma música na chave de F major.

Por esse motivo, ao analisar os acordes, é mais útil usar o sistema de rotulagem numeral romano.Com este sistema, a corda é rotulada com o número romano que corresponde ao grau de escala da nota raiz. Então, na chave de C major, uma tríade F major é chamada de um acorde IV porque F é o grau de quarta escala, ou a quarta nota, na escala principal de C. Na chave de D major, a tríade principal G é a corda IV, e assim por diante.

 

As tríades principais são representadas por números romanos maiúsculas (por exemplo, VI), enquanto as tríades menores são representadas por números romanos minúsculos (por exemplo, vi). Uma tríade diminuída é mostrada com um número romano minúsculo e um círculo sobrescrito (º) ao lado dele. Uma tríade aumentada é anotada com um número em letras maiúsculas seguido de um sinal de exposição superior ( + ).

Em qualquer chave principal, as tríades que você provavelmente encontrarão são: I, ii, iii, IV, V, vi e viiº. Em uma chave menor, as tríades mais comuns são: i, iiº, III + , iv, V, VI e viiº. Abaixo, estas tríades são mostradas nas chaves de C major e A menor.

Exemplo de acordes 1

Exemplo de acordes 2

Em ambas as teclas maiores e menores, os acordes I (ou i) e V soam mais estáveis ​​para nossos ouvidos. Isso explica por que muitas músicas e peças terminam com um acorde V seguido de um acorde I (i): essa mudança de acordes torna a música som final e resolvida.

Chegue à Raiz da Corda

Mais uma coisa a ter em mente com as tríades é que as notas nem sempre se acumulam na ordem “correta”. Quando a nota de raiz está na parte inferior e os terceiros estão empilhados acima, isso é chamado de “posição de raiz”. No entanto, se as mesmas notas aparecem em uma ordem diferente e mesmo em oitavas diferentes, isso é chamado de “inversão”.

Nos exemplos abaixo, você encontrará que, embora cada acorde pareça diferente, eles são todos compostos das mesmas notas – C, E e G – então, se você estivesse rotulando esses acordes em uma análise harmônica, você usaria o mesmo número romano para cada um. (Existem sobrescritos que podem ser usados ​​para distinguir as inversões, mas, por enquanto, seguem os números romanos básicos.)

Acordes 3

Agora, para chegar à raiz das coisas (sem trocadilhos!) E descubra por que incomodamos os acordes de rotulagem, siga esta análise harmônica das tríades encontradas no Canon em D major da Pachelbel. Nota: os acordes foram todos arranjados na posição de raiz aqui.

Chords 4

Muitas pessoas colocam este famoso cânone no topo de suas listas de peças clássicas favoritas e sua progressão de acordes também é encontrada em inúmeras músicas populares. Então, o que faz a progressão da Pachelbel funcionar tão bem?

A análise harmônica revela o fato de que os acordes criam o mesmo padrão que você poderia encontrar em qualquer boa história: uma introdução, um conflito e uma resolução. Os acordes fortes e estáveis ​​de I e V apresentam a chave como principal. Os acordes menores que se seguem, vi e iii, são mais fracos para os nossos ouvidos, então eles apresentam o “conflito”. Essa tensão começa a diminuir com a aparência do acorde IV mais estável, e todo o conflito é então resolvido quando a corda V conduz de volta ao acorde final da I.

Na próxima vez que uma música ou peça chamar sua atenção, coloque suas mãos na partitura e veja as progressões de acordes. Você percebe quaisquer padrões, como por exemplo, onde certos acordes tendem a liderar, ou quais tipos de mudanças de acordes provocam suas emoções? Você achará que um pouco de curiosidade percorre um longo caminho ao descobrir as razões por trás dos poderes expressivos da música.

Conheça o melhor curso de violão para iniciantes.

 

Escalas Musicais

Uma escala é uma seqüência stepwise (geralmente para cima) de arremessos. O termo também está conectado ao conceito de chave e tonalidade musical; As notas de uma melodia em uma determinada chave podem formar uma escala. As notas fora da escala são percebidas como não-harmônicas.

A necessidade de classificar os lançamentos deu origem ao conceito de escala. Se apenas uma certa parte de todos os campos possíveis for aplicada na música, é prático e sensível criar uma abstração desses lançamentos e nomeá-lo.

Os gregos antigos, especialmente Platão, viram uma forte conexão entre escalas musicais e emoções humanas (ethos). Ainda hoje, as escalas musicais são mais do que apenas “esquemas de arremessos”. É típico em várias escalas que uma das notas é mais importante do que as outras; Começa e dá um nome para a escala (por exemplo, C major). Esta nota é geralmente chamada de tônico ou o centro tonal . Existe uma hierarquia entre as outras notas de uma escala; Por exemplo, alguns deles têm uma relação semitonal (capacidade de liderar) para o centro tonal. No modo Phrygian, a nota principal é a segunda nota da escala; Em grande escala, é a 7ª nota.

As chaves relacionadas diferem entre si em termos da nota-chave; C major e A natural compartilhamentos compartilhados menores, mas não o keynote. Os pontos também são compartilhados pelos modos D Dorian, E Phrygian, F Lydian e assim por diante.

Assim, essas escalas podem ser consideradas como fazendo parte da mesma escala genérica.Por exemplo, os modos (também grande escala e menor natural) fazem parte da escala diatônica , talvez a escala genérica mais importante da música ocidental.

Escalas diatônicas:

A notação é baseada na escala diatônica. Não tem início nem final, mas inclui tons e semitons em uma determinada ordem. Entre semitons (S), dois ou três tons se revezam (T): … TTSTTT S … (veja um teclado, por exemplo).

F G UMA B C D E F G UMA B C D E
Lydian T T T S T T S
Ionian (= escala maior) T T S T T T S
Mixolydian T T S T T S T
Eólico (= escala menor) T S T T T S T
Dorian T S T T S T T
frígio S T T T S T T
Lochrian S T T S T T T

As notas de uma escala genérica estão relacionadas por certos intervalos, mas não há um centro tonal para nomear a escala. Diferentes escalas podem ser formadas a partir da escala genérica, nomeando o centro tonal. A nomeação é possível se uma das notas for percebida como o tônico, que é uma nota natural, por exemplo, para finalizar uma melodia.

Escala diatónica genérica (… TTSTTTS …)

Escala diatónica genérica

escala pentatônica também é uma escala genérica. Enquanto o prefixo “penta” se refere a qualquer escala com cinco lançamentos, a escala pentatônica mais típica parece assim: … TT m3 T m3 …, onde m3 representa um terceiro menor (1 ½ passos).

As escalas pentatônicas mais comuns são as principais pentatônicas (TT m3 T m3), que se assemelham a uma grande escala com semitonas substituídas por terços menores, e o menor pentatônico (m3 TT m3 T), que é a estrutura básica para a escala menor e a Blues scale .

As escalas pentatônicas são consideradas as estruturas de escala mais antigas e a base para escalas com mais arremessos.

Escala pentatônica (… TT m3 T m3 …)

Escala pentatônica

Uma escala cromática consiste em semitons (… SSSS S …). O significado da palavra grega “khrôma” é cor; Originalmente a escala cromática foi formada nos “colorantes” da escala diatônica. Por exemplo, na música medieval, as notas B e B representavam o mesmo passo, interpretadas em alto, “b durum” (= difícil) ou baixo “b molle” (= macio), dependendo do hexacorde. Gradualmente, o cromatismo tornou-se padrão para outros campos também.

Uma extensão da escala diatônica, a escala cromática pode ser escrita em várias seqüências enharmônicas. É necessário fazer uma distinção entre os conceitos de um semitom cromático(CC sharp) e um semitom diatônico (EF). No primeiro, as notas estão situadas no mesmo nível da equipe; No último, eles estão em diferentes níveis

Uma linha longa e histórica pode ser percebida na formação de escalas: pentatônica> diatônica> cromática. Através deste desenvolvimento, o tamanho dos intervalos diminuiu. No início do século XX, o Checo Alois Hába desenvolveu ideias sobre escalas com 24 ou mesmo 36 graus e intervalos de um quarto ou um sexto degraus. Outros compositores experimentaram microintervalos. No entanto, as experiências não deram frutos; O padrão hoje é a escala cromática, de igual altura, de 12 lançamentos, a base para todas as outras escalas.

Várias das escalas utilizadas na música do século XX são simétricas. A simetria pode significar que os intervalos são lidos da mesma maneira, desde o início até o fim, como são quando lidos ao contrário (escala doriana: TSTTTST). Isso também pode significar que uma certa estrutura é repetida e se ajusta a uma oitava, como nas duas seguintes escalas:

A escala de tons inteiros consiste em tons (TTTTTT). Ele divide uma oitava em seis partes iguais.

Escala de tons inteiros

Por causa da falta de relacionamentos de notas líderes, não há um centro tonal. Assim, as escalas de tom inteiro C, D, E, F afiada, G afiada e B plana são definidas como uma escala de tons inteiros, complementadas por lançamentos fora da escala que formam uma segunda escala de tons inteiros. A escala é um modo de transposição limitada, uma vez que diferentes campos só podem ser criados através da transposição de m2, m3, 4, 5, M6 e M7.

Uma escala de tom integral pode ser escrita de forma autônoma de várias maneiras; Um terceiro diminuído (C sharp, D sharp, F) pode ser usado em vez de um tom inteiro (ou C sharp, D sharp, E sharp).

As escalas octatônicas consistem em oito notas. A versão mais comum é uma sequência regular de tons e semitons. É também chamada de escala diminuída. Os termos metade inteira e metade inteira são usados ​​para denotar a nota inicial. Uma escala que começa com um meio passo (STST S …) também é chamada de escala dominante diminuída, já que a maioria de suas notas são tons de guia ( plano 9, # 9, # 11 e 13) à corda dominante. Além do C7 no exemplo abaixo, a mesma escala se adequa aos acordes E plano 7, F # 7, G plano 7 e A7. Por motivos de simetria, eles compartilham os corantes: o “# 9” de C7 é o “13” de F # 7 e vice-versa. A escala diminuída começando com um passo inteiro (TSTST S …) é adequada para uso com acordes diminuídos.

Escala Oktatonic

A escala octatônica divide a oitava em quatro partes e cada uma dessas peças em duas etapas de diferentes tamanhos. É um modo de transposição limitada, o que significa que a transposição, por exemplo, de um terceiro menor produz as mesmas notas: em outras palavras, as escalas C, E plana, F afiada e A octatônica consistem nos mesmos arremessos. Dois acordes diminuídos de quatro notas formam uma escala octatônica; Os complementos desta escala (as notas que não estão incluídas na escala) formam um tetracorde diminuído. Essas características podem ser percebidas em um círculo de notas (veja círculo de notas ).

Outras escalas

Idêntico a uma escala completa, uma escala aumentada consiste em seis notas. Em uma escala aumentada, terços menores e segundos aumentados alternam com meia etapa, dependendo da notação utilizada. Uma escala aumentada também pode ser percebida como duas triadas aumentadas a meio passo.

Escala aumentada

Uma escala melódica ascendente ou pequena escala menor de jazz também pode ser considerada como uma escala genérica, pois a mesma ordem de passos (… TSTTTTS …) é vista na escala de tons e alterados. A única diferença é a colocação da nota inicial (ver escalas diatônicas).

Mental melódico ascendente

Uma escala de tons de som é o quarto modo da escala de jazz menor, ou seja, uma escala com a nota-chave na quarta nota de uma escala menor. As notas de um mel menor G melódico ascendente são idênticas à escala de tons de C. O nome “overtone” deriva do fato de que as sete primeiras notas da série overtone são semelhantes à escala de tons de relevo, que diferem de uma grande escala com uma 4ª e quarta baixa reduzidas.

Escala de Overtone

A escala alterada é o 7º modo de um menor melódico. O nome deriva do fato de que consiste em todas as notas de uma escala maior correspondente, alterada. Portanto, a escala de jazz menor tem sete modos (veja “Modos da escala de jazz menor “), os quatro mais comuns abaixo.

Menor melódico T S T T T T S
Escala de tons T T T S T S T
Escala alterada S T S T T T T S
Mixolydian B6 T T S T S T T

Escala E alt

escala de sen é às vezes encontrada na literatura de jazz. É uma escala pentatônica que inclui todos os intervalos menores que um quarto (m2, M3, M2 e m3). Forma parte da escala diatônica e da escala menor de jazz.

Por exemplo, as notas G, A flat, C, D e F fazem parte do E sharp major (2º, 3º, 4º, 6º e 7º) e as escalas de jazz F jazz. Da mesma forma, fazem parte do F Dorian, G Phrygian, e assim por diante.

Na escala sen

A escala in sen é sempre apresentada como começando com um meio passo; Este pode ser o motivo para ignorar a conexão às escalas acima mencionadas. A escala in sen também pode ser percebida como um conjunto de classes de pitch formando a estrutura geral de um acorde. As referidas notas estão incluídas, por exemplo, nas cordas B Flávio 13 e E7 # 9 # 5, Dm7 plano 5 e Fm69.

Nós já discutimos transposição limitada, um termo cunhado por Olivier Messiaen (1908 -1992).Os segmentos são o elemento fundamental de suas escalas. Eles são divididos em duas, três ou quatro partes com a mesma estrutura de intervalo. Os modos de Messiaen podem ser formados de várias maneiras; O exemplo a seguir exibe apenas uma forma do quinto modo.

Modo 1 TTTTTT (= escala de passo inteiro)
Modo 2 ST ST ST ST (= octatonic)
Modo 3 TSS TSS TSS (ou SST SST ou STS STS)
Modo 4 SSSm3 SSSm3 (também, por exemplo, m3SS m3SS)
Modo 5 SM3S SM3S (também, por exemplo, SSM3 SSM3)
Modo 6 SSTT SSTT
Modo 7 SSSST SSSST

Escala Messiaen

O oitavo modo simétrico é a escala aumentada (Sm3 Sm3 Sm3), já discutido, por algum motivo omitido na lista pela Messiaen.

Com a ajuda das escalas, é possível ilustrar o sistema tonal ocidental de uma maneira geral, tendo em mente, no entanto, que eles podem ser apresentados de outras maneiras do que em uma ordem por graus. Uma escala pentatônica pode ser vista como uma série de quintos (C – G – D – A – E). A escala cromática também pode ser apresentada de forma semelhante (por exemplo, F sharp-B- … -A flat-D flat, veja o círculo de quintos e o círculo de notas).

Conheça mais sobre escalas musicais clicando aqui

Conheça também o melhor curso de violão online: Formula Violão

 

Modos grego

Quais são os modos grego?

Os modos gregos são 7 modelos diferentes para a escala natural .

Talvez você já tenha ouvido nomes como “Mixolydio”, “Dório”, ou algo semelhante. Parece coisas de outro mundo, não é? Tão bem, mostraremos que este e outros nomes são coisas simples na realidade e são fáceis de entender e praticar. Aparecem no contexto dos modos gregos. Nós lhe daremos detalhes para deixar claro quais são esses modos:

Modo jônico

Pegue a maior escala natural. Correspondente ao primeiro modo grego, denominado modo jónico .Vamos mostrar-lhe mais tarde, de onde veio essa nomenclatura, não se preocupe com isso agora.

Muito bem, você já conhece um modo grego! Parabéns!

Para facilitarmos o trabalho, trabalharemos com a escala principal de C como exemplo. Já sabemos qual é o modo jônico:

C, D, E, F, G, A, B

Sequência vista: tom -tom-

-semitono-tom-tom-tom-semitom.

Forma:

Modo ioniano

Dica: é a própria escala principal.
Observação: para todos os modos, colocamos a sequência vista, uma dica e a forma da escala .

Modo Dório

O próximo modo é chamado Dório . Não é mais do que a mesma grande escala com a qual estamos trabalhando, mas começando em D.

Aqui você tem o modo Dorio:

D, E, F, G, A, B, C

Sequência vista: tom-semitom-tom-tom-semitono-tom

Forma:

Modo dorian

Dica: é a escala menor com o sexto grau maior.

Bem, talvez você não tenha considerado a utilidade disso. Geralmente, as pessoas começam a se confundir e a pensar que esse estudo é aborrecido. Então, vamos explicar isso bem para que você não desista sem um motivo!

Nós apenas tocamos o modo D Dorio, certo? Isso significa automaticamente que sua tonalidade é C maior. Por quê? Só porque construímos a escala doriana usando as notas principais de C. O formato tom-semitom, etc. Deduzido a uma escala doriana era diferente da grande escala natural porque começamos com outra nota de que não é o primeiro grau .

Começamos pelo segundo grau. É por isso que a diferença na forma existe. Com isso em mente, podemos encontrar uma aplicação prática.

No estudo do campo de harmonia principal, mostramos os acordes que fazem parte da tonalidadede C maior. Imagine, por exemplo, que uma música começa em Dm e depois continua com os acordes: Am, F e Em. Podemos concluir que a tonalidade desta música é C maior, mesmo que o acorde C não tenha aparecido uma vez na música (até aqui, não é um novo conceito!). Então, se queremos improvisar um solo nesta música, usaremos escala C maior. Mas como podemos fazer isso se a música começar em D menor? Nosso solo poderia começar com D em vez de C para dar um ambiente mais característico, não poderia? É aqui que este D Dorian entra! Podemos dizer que estamos fazendo um solo em D, porque estamos “enfatizando” D (começando e terminando), mas usando a escala principal C. Moral da história: estamos usando D escala doriana para nosso solo, porque a corda é D menor, mas a tonalidade é C.

Modo Frígio

Ok, vamos fazer algum progresso. Agora vamos usar a escala principal C com início. A sequência será assim:

E, F, G, A, B, C, D

Sequência vista: semitom-tom-tom-semitono-tom-tom

Forma:

Modo phrygian

Dica: é uma escala menor com segundo grau menor.

Isso é chamado de modo frígio. A utilização prática é exatamente a mesma do exemplo anterior, mas pensando em E menor em vez de D menor. Se quisermos fazer um solo em E menor em uma música que esteja em tonalidade C maior, usaríamos a escala E Frígio.

Modo Lidio

O próximo modo grego é o Lídio . Começa com o primeiro grau da escala principal. Apenas para recapitular, estamos usando como exemplo a escala C e, em seguida, o quarto grau é F (antes do quarto grau era E, e assim por diante). Os modos gregos podem ser construídos por qualquer escala maior. Estamos mostrando aqui apenas a escala C. Mais tarde, mostraremos com outra grande escala para ajudá-lo e para torná-lo mais claro. Vejamos então como foi a nossa escala F Lídio :

F, G, A, B, C, D, E

Sequência vista: tom-tom-semitom-tom-tom-tom

Forma:

Modo lydian

Dica: é a maior escala com quarto aumentado

Modo Mixolídio

O quinto modo grego é o Mixolidio . Na escala principal C, o quinto grau é G. Confira abaixo da escala  G mixolídio :

G, A, B, C, D, E, F

Sequência vista: tom-tom-semitom-tom-tom-semitono

Forma:

Modo mixolydian

Dica: é a maior escala com o 7º menor

Nós já explicamos a utilização dos modos gregos no ponto de vista da improvisação, mas agora seria interessante fazer uma observação. Se quisermos fazer um solo em uma música que esteja em tonalidade C principal, começando com a nota G, usamos a escala G Mixolydian (nada novo aqui). Talvez você ainda não esteja convencido sobre a utilidade disso na prática. Porque você está pensando: “Se eu quiser usar a escala principal C começando com G, posso tirar o desenho de C major, na região que eu faria escala principal C e então eu faço esse desenho começando com G”:

Modos

Tudo bem, não há problema nisso. Mas digamos que uma música está mudando sua tonalidade.Imagine que foi em G major e agora foi para C major. Você estava fazendo um solo em G major usando a escala abaixo, na região do fretboard do instrumento:

Modos grego

Que a música está em C major, você saltou para esta região:

Exemplo mixolydiano

Se você soubesse o desenho de G Mixolydian, você poderia continuar na mesma região que estava antes, por mais que mudasse o desenho que antes era esse:

Exemplo de modo

Para este:

G mixolydian

Isso deixaria o solo infinitamente mais bonito e fluido, porque a mudança de tonalidade no solo seria leve e agradável. Se, neste exemplo, você alterar a região no fretboard para pensar na escala principal de C, você faria com que a mudança se tornasse mais abrupta e “difícil de engolir”.

Ouça músicos como Pat Mateny, Mike Stern, Frank Gambale e preste atenção como eles funcionam de modulação (mudança de tonalidades). Essa fluidez vem do domínio completo das formas dos modos gregos.

Além disso, sabendo bem, os desenhos desses modos irão ajudá-lo a não ser um prisioneiro apenas em forma de escala. Isso faria seu solo se tornar “quadrado” e “vicioso”. E na negociação, este domínio proporciona um controle total do freteboard do instrumento.

Modo eólico

Ok, o próximo modo é o modo Eoliano e corresponde ao sexto grau. No nosso exemplo, o sexto grau de C é A, então verifique abaixo como foi a nossa escala:

ABCDEFG

Frequência observada: tom-semitom-tom-tom-semitono-tom

Forma:

Modo eólico

Dica: é a escala menor natural!

Encontramos então um novo nome para a escala menor natural: modo eólico . A principal escala natural já recebeu um nome, você se lembra? Modo jônico . Provavelmente, você notou que o sexto grau menor é o menor relativo de modo que fazer um solo usando o modo Eólico não é mais do que fazer isso usando o menor relativo.

Modo Lócrio

O modo sétimo e último é o modo Locrian . Verifique o desenho abaixo:

B, C, D, E, F, G, A

Sequência vista: semitom-tom-tom-semitono-tom-tom

Forma:

Modo locen

Dica: é a escala menor com a menor 2ª e a 5ª diminuída .

Treinar os modos gregos, o pensamento em graus realmente ajuda a nossa mente e ouvido a identificar rapidamente a tonalidade de uma música, porque nos acostumamos com esses padrões.

Resumo dos 7 modos gregos

Legal, já fizemos tudo com a escala principal C, mostraremos agora (rapidamente) como as seqüências usando a escala principal G (em vez de maior), para que você veja as formas desses modos, começando pela 6ª corda :

Ioniano-dorian-phrygian

Lydian-mixolydian-eolian

F # locrian

Observe que a seqüência (tom-semitona, etc.) foi exatamente a mesma coisa que no estudo da escala maior de C. Mas o desenho (formas) era diferente porque estamos começando pela 6ª corda em vez de 5.

Esses desenhos mostrados a partir de 5 e 6 cordas mantêm a mesma estrutura para outras tonalidades. Isso é realmente favorável, porque aprender as formas para essas tonalidades, você conhece todas elas; É apenas para transpor os mesmos desenhos para outros tons.

Ao longo do nosso estudo musical, você ouvirá muitas vezes sobre esses modos. Ao ver sua aplicação em diferentes contextos, você ampliará sua visão e ficará mais convencido sobre sua utilidade. O importante agora é praticar e passar o tempo com essas formas, compreendendo de onde elas vieram.

Antes de terminar este primeiro estudo sobre os modos gregos, vamos satisfazer sua curiosidade dizendo de onde vieram esses nomes estranhos.

Os modos gregos apareceram na Grécia antiga. Algumas pessoas da região têm maneiras peculiares para organizar os sons da mesma escala temperada. Eles vieram das regiões Ionia , Doria , Phrygia , Lydia e Aeolia . Para isso deu os nomes que você acabou de ver. O modo Mixolydian veio da mistura entre os modos Lydian e Dorian . O modo Locrian veio apenas para completar um ciclo, porque é um modo pouco utilizado na prática.

Os modos jônico e eólico se tornaram os mais usados, sendo mais difundidos na Idade Média.Ultimamente, eles recebem os nomes “escala principal” e “escala menor”, respectivamente. É divertido que todos os alunos da música aprendam primeiro os nomes “escala principal” e “escala menor” mesmo antes de ouvir sobre os modos iônico e eólico . Na verdade, esses modos gregos vieram antes e são “pais” dessas escalas.

Se você gostou da explicação deste tópico sobre os modos gregos, ajude a promover a Teoria Simplificadora para que possamos continuar crescendo e melhorando nossos conteúdos e fazendo também a interação com o público!

 

Saiba mais.

 

Conheça o melhor curso online de violão: Formula Violão

O Que É Cifra?

Cifra e o seu significado

A Cifra é uma notação musical que representa os nomes dos acordes.

Conhecendo um pouso da nomenclatura básica:

C = dó

D = ré

E = mi

F = fá

G = sol

A = lá

B = si

Os acordes também são identificados com essa notação.

Os acordes em uma cifra recebe o nome da nota fundamental, que é o primeiro grau da tríade.

O acorde de Dó é formado pela tríade C, E, G, logo, o acorde de Dó Maior é representado pela letra C.

Significado da cifra nas músicas

O termo “cifrar” significa escrever os acordes na ordem correta em que eles aparecem na música.

Geralmente isso é feito em cima da letra da música, mostrando o ponto certo em que o acorde deve ser tocado.

 

Escreva num papel todas as notas utilizando sua representação e mentalize a qual nota cada letra se refere.

Conheça mais sobre cifras clicando aqui

Quer aprender violão?

Então conheça as Aulas De Violão Para Iniciantes

Quer aprender guitarra? Então conheça este site.

Um pouco da história do violão

Antes do desenvolvimento da guitarra elétrica e do uso de materiais sintéticos, um violão foi definido como sendo um instrumento com “um pescoço longo, fretted, flatboard de madeira plana, costelas e uma parte traseira lisa, mais frequentemente com lados incorridos”. O termo é usado para se referir a uma série de cordéis que foram desenvolvidos e usados ​​em toda a Europa, começando no século 12 e, mais tarde, nas Américas.

Uma escultura de pedra de 3,300 anos de idade de um bardo hitita que toca um instrumento de cordas é a mais antiga representação iconográfica de placas de cordão e argila da Babilônia que mostram pessoas tocando um instrumento que tem uma forte semelhança com a guitarra, indicando um possível Babylonian Origem do violão.

A palavra guitarra moderna , e seus antecedentes, tem sido aplicada a uma grande variedade de cordódonos desde os tempos clássicos e, como tal, causa confusão. guitarra inglesa , a Gitarre alemã e as guitarras francesas foram todas adotadas pela guitarra espanhola , que vem do árabe andaluz e a latina cithara , que por sua vez veio do grego.

Muitas influências são citadas como antecedentes da guitarra moderna. Embora o desenvolvimento das primeiras “guitarras” se perca na história da Espanha medieval, dois instrumentos são comumente citados como seus predecessores mais influentes, o alaúde europeu e seu primo, o oud de quatro cordas; O último foi trazido para a Ibéria pelos mouros no século VIII.

Pelo menos dois instrumentos chamados de “guitarras” estavam em uso na Espanha até 1200: a guitarra latina ( guitarra latina ) e a chamada guitarra morisca (guitarra mourisca). A guitarra morisca tinha uma volta arredondada, um grande teclado e vários buracos sonoros. A guitarra Latina tinha um único buraco de som e um pescoço mais estreito. Até o século 14, as qualificações “moresca” ou “morisca” e “latina” foram descartadas, e esses dois cordophones foram simplesmente chamados de guitarras.

A vihuela espanhola, convocada em italiano, a ” viola da mano “, um instrumento parecido com uma guitarra dos séculos 15 e 16, é amplamente considerada como sendo a única influência mais importante no desenvolvimento da guitarra barroca. Tinha seis cursos (geralmente), sintonizadores de alaúde em quartos e um corpo semelhante a um violão, embora as primeiras representações revelem um instrumento com uma cintura cortada. Também era maior do que as guitarras contemporâneas de quatro curtos. No século XVI, a construção da vihuela tinha mais em comum com a guitarra moderna, com suas costelas curvas de uma peça, do que com as violas, e mais como uma versão maior das guitarras contemporâneas de quatro curtos. A vihuela desfrutou apenas um período relativamente curto de popularidade na Espanha e na Itália durante uma era dominada em outros lugares da Europa pelo alaúde; A última música publicada sobrevivente para o instrumento apareceu em 1576. 

Enquanto isso, a guitarra barroca de cinco cursos, documentada na Espanha a partir do meio do século XVI, gozava de popularidade, especialmente na Espanha, Itália e França, desde o final do século XVI até meados do século XVIII. Em Portugal, a palavra viola referia-se à guitarra, como a guitarra significava a ” guitarra portuguesa “, uma variedade de cittern .

As guitarras podem ser divididas em duas grandes categorias, guitarras acústicas e elétricas. Dentro de cada uma dessas categorias, existem também outras subcategorias. Por exemplo, uma guitarra elétrica pode ser comprada em um modelo de seis cordas (o modelo mais comum) ou em modelos de sete ou 12 cordas.

Acústico

As guitarras acústicas formam várias subcategorias notáveis ​​no grupo de guitarra acústica: guitarras clássicas e flamengas ;Guitarras de corda de aço, que incluem a guitarra plana, ou “folk”, guitarra; Guitarras de doze cordas ; E a guitarra de arco superior. O grupo de violão acústico também inclui guitarras não amplificadas projetadas para tocar em diferentes registros, como o baixo baixo acústico, que tem um ajuste semelhante ao do baixo elétrico

Saiba mais…

 

Conheça também o melhor curso de violão para iniciantes.

 

 

Ritmos Musicais

Na música, o ritmo é resultado de uma sequência cronometrada que segue uma batida constante. Em outros termos musicais comuns também é referido como ritmo(italiano), rythme (francês) e Rhythmus (alemão).

Freqüentemente, o termo “ritmo” é usado de forma sinônima ou intercambiável com o tempo “, mas seus significados não são exatamente os mesmos. Enquanto o tempo se refere ao” tempo “ou à” velocidade “de uma música, o ritmo define os batimentos cardíacos.

Você pode ter um batimento cardíaco rápido ou lento, mas o pulsar é constante – esse é o ritmo.

A notação de música moderna fornece várias ferramentas para um músico entender o ritmo de uma música. Ou seja, a assinatura do medidor e do tempo indica como as batidas são alocadas em todas as medidas, permitindo ao jogador tocar a música com o ritmo apropriado. Em um nível mais granular, o ritmo também pode pertencer às relações de notas entre si; Se a proporção das notas quando comparadas entre si estiver incorreta dentro de uma certa batida, o ritmo pode estar “desligado”.

CRIANDO RITMO PRECISO

O ritmo na música, dança e linguagem ou poesia é essencialmente o momento dos eventos em escala humana. O ritmo eo tempo podem incluir som e silêncio, mas os sons e silêncios, passos de dança e pausas, vírgulas e períodos ocorrem em uma linha de tempo em movimento. A linha de tempo não é tipicamente rígida se ele está sendo conduzido por seres humanos, embora muitos profissionais e amadores preferem praticar com um metrônomo.

Os metrônomos oferecem precisão da máquina ao tempo de uma seqüência, portanto, se alguém estiver usando um metrônomo para medir seu ritmo, ele será geralmente mais preciso. Ao usar um metrônomo, o tempo é configurado para uma configuração precisa que geralmente indica os batimentos por medida. Praticar regularmente com o metrônomo pode ajudar o músico a desenvolver um ritmo interno consistente para uma performance, seja a música rápida, média ou lenta.

INFLUÊNCIAS CULTURAIS

Os ritmos variam quando impactados por influências culturais, razão pela qual muitas formas de música cultural têm batimentos e padrões identificáveis. Por exemplo, as diferenças na música ocidental quando comparadas à música indiana ou africana são notavelmente distintas. Padrões complexos que representam traduções culturais, como “conversas de bateria” na música africana, continuam a permear a essência da música e às vezes podem ser transferidas para outras formas de música para adicionar um novo elemento ao ritmo da música.

Por exemplo, durante o século 20, muitos compositores começaram a experimentar os desvios dos ritmos e formas tradicionais da música clássica. Um desses compositores era Béla Bartók, um compositor húngaro conhecido por seu estudo de música folclórica. A história diz que durante o verão de 1904, o compositor ouviu uma nanny cantando músicas folclóricas para crianças que ela estava assistindo. Ele foi inspirado por elementos das músicas, e inflamou sua dedicação para aprender sobre música folclórica. À medida que Bartók compunha, ele tiraria de elementos da música folclórica, como ritmos livres e não tradicionais, e os incluirá em suas composições.

=========================================================

Conheça o melhor curso de violão para iniciantes.